大家都来拍短片(中)
二、拍摄一部剧情短片的步骤
说到拍摄的步骤，相对来讲，剧情片可能更有迹可循，因为纪录片和实验片的即兴成分终究多了一些，很难说得明晰。当然，有些作者在“个人实验”阶段已经形成了自己的拍摄步骤和方法，那就完全不必听我的了。所以，我仅就剧情短片的一般拍摄步骤做些简单的介绍。
之一：准备阶段
电影厂和商业化操作的惯例是，把简单的问题复杂化；而我们拍摄个人短片，却恰恰相反，完全不用脱裤子放屁。
产业化的剧组如果要“筹备”一部电影，那就要经过剧本创作、资金准备、制定计划、挑演员、选场景、分镜头、试片等等步骤。可是，在拍摄个人短片作品的“准备阶段”，那些繁复而刻板的环节都可以一一省略，甚至只有“准备”这一个步骤，并且你还可以按照自己的方式去做，既省时又省力。
可以没有剧本
就一个剧情片而言，无论它是长片还是短片，剧作都是非常重要的。
首先，要分清楚“剧本”和“剧作”——这两个不同的概念。在创作中，可以没有剧本，但没有一个剧情片是可以没有剧作的。作为叙事艺术的一种——剧情片（故事电影）完成叙事任务有两个途径：剧作是其中之一，而另一个则是视听语言。
剧作的各个元素都是用来叙事的，而电影叙事必须“看得见”和“听得见”，所以，也可以说，在很多时候，电影剧作和视听方案其实就是同一回事。于是，有人提出，故事电影的三要素：第一是剧作，第二是剧作，第三还是剧作，剧作贯穿了故事电影的各个环节——这种说法也是有一定道理的。
剧作诞生在你的头脑里，而剧本就是最早用来记录剧作内容的“备忘录”，之后是分镜头本、工作台本，然后就是以视听形式存在的素材，再就是剪辑台上的完成片。所以，尤其是个人的短片作品，在其准备阶段，跳过剧本这个环节，也是完全可以的。
那些很在乎剧本的“大制作”，只是为了应付制片人的监督，以及让庞大的剧组中的成员都能了解到拍摄的内容而已。
穿着裤子放屁
你可以一边剧作，一边看场景、选演员，并把场地和演员的实际情况结合到片子中去，同时形成一场一场的“戏”，并不断地在脑子里“放小电影”。如果，你把脑子里的“小电影”记录下来的话，那就是分镜头本或者工作台本了。
其实就是这么简单，等你脑子里的“小电影”慢慢地连贯起来，完整起来的时候，你的准备阶段也就差不多结束了。你的案头上已经有了完整的台本或者分镜头本，甚至你已经挑好了演员和场地，甚至你在看景的时候，已经试过了一些机位，录过了一些声音……
如果，你觉得自己还不够全面或者有些事情一个人应付不过来的话，那就还可以再找一些专业上可以帮助自己的人，比如，摄影、录音、美工等等。
我的意见是，人越少越有利于拍摄。有些电影学院的学生特别地愚蠢，拍个短片非要按照“大剧组”的方式来分工，仅仅一个摄影部门就要三、四口人，导演部门居然还要设立场记……一个小短片，一大帮人子人来凑，除了在现场引起围观，拍完了在饭馆里吃吃喝喝比较热闹以外，实在是没有其他的好处了！
等把一些合作者都定下来了，并且已经有了台本或者分镜头本，那么，你只需要再制定一个拍摄计划就行了。这个计划的制定一般由几方面的因素来决定：你的时间安排、演员或者其他工作人员的时间安排、场地使用时间的限制、剧作对拍摄时间的要求、拍摄的难度……
短片，不需要搞笑的场景表和场记单！
需要了解
你在选场景的时候，最好选那些利于拍摄的、周遍没有噪音干扰的、光照条件好一些的、并且造型上有些特点的环境。看景的时候，最好把DV机也带去，从镜头里观察场景和用肉眼看是有所区别的；如果你能把麦克风和耳机也带去，那就更好了。
在和演员接触的过程中，你最好能多了解一些他们的特长，比如谁会变魔术、谁会翻筋斗、谁会乐器等等，这些特点在片子里都是可以用的，甚至片子也可以因为这些人物的特点而做出重大的改变。
还有一点你要注意的是，不管是谁，你都要和他们多交流，多讨论，让别人能多了解你的想法，你也能多了解别人的想法。最好逢人就把你的故事复述一遍，这样既锻炼了你的叙述表达能力，而且容易找到剧作的缺陷。
短片和“短的长片”
一般来讲，剧情短片对内容的要求就是，能够在越短的时间内，把事情说明白、说精彩，那就越好。故事可以非常简单，但创意要与众不同、要新鲜。
对于短片，我个人比较主张的方式是，人物不用很多，人物关系不必太复杂，时间跨度不要太大，场景变化不必刻意地多，故事只要有一个或者两个转折点就可以了。如果，能把人物刻画好，故事讲明白、讲精彩，能够把你讲故事的目的向观众表露彻底，那就很好了。
我觉得，最不好的短片，就是那种“短的长片”，不着力于创意、叙事和人物，而一味地“求大”，把一个100分钟长片的容量，压缩到30分钟以下的短片里来“说”，这样做，无论对长片或者短片，都是一种损害，因为你使用了错误的方式，浪费了题材。
之二：拍摄阶段
“大”的摄制组，最热衷的就是这个阶段了。
因为在这个阶段里，参与的人员最多，拍摄的乐子最多，片商花的钱最多，人们挣到的钱也最多，围观的“目击者”也最多，消耗的时间也最多……
居然能够拥有这么多的“最”和拥有这么多的“多”，自然，这个阶段肯定是最荒唐的，毛病肯定是最要命的喽！
1、2、3、4、5、6、7……
有一次，一个电视剧组在一幢商用楼的走廊里拍戏，内容很简单，就是拍女演员奔逃的
过程，实在是没有什么难度的。可是，在那条宽不过两米的走廊里，竟然人头攒动，状如赶集，就让我们来数一数，在走廊里，究竟出现了那些人员吧？
其中有，一个导演、一个副导演、一个场记、一个摄像师、两个摄像助理（一个是跟焦员兼机械员，另一个负责跟线）、两个灯光助理（灯光师傅睡觉去了）、一个录音师、一个话筒员、一个化妆师、一个化妆助理（随身带了几张吸汗纸）、一个服装助理（帮女演员翻翻衣领子而已）、一个现场制片（催场的“干活”，使用频率最高的一个字是：快！）、一个现场道具（他的工作就是，一遍遍地帮女演员捡回高跟鞋）、两个场工（一个提饮水机，一个搬折叠椅和监视器）。
1、2、3、4、5、6、7……天啊！现场居然有十七名工作人员，再加上那位女演员，正好凑齐一支足球队的18人大名单。而由他们搬来的各种设备，更是多不胜数，就是这样的一群人，呼呼呼地来，又呼呼呼地去，真比搬家还热闹十倍。
难怪副导演要在开机前，大叫：安静……
假如你来拍这场戏
我想，你应该比他们聪明无数倍，“专业”无数倍。“大”剧组那种又蠢又笨的工作方式，在你这里，终于可以寿终正寝了！
一台DV机、一些大功率的家用灯泡、一支麦克风、一个录音师、一个演员和一个你，最多再有一到两个帮手就完全足够了！在拍摄之前，你已经把镜头分好了，拍摄顺序也计划好了，所以，你根本没必要临场慌乱。而DV机是那么地小，现场的工作人员又那么地少，拍摄内容又是那么地简单，你和你朋友们完全可以做到：轻轻地前来，悄悄地离去。
商用楼可能是你的朋友无偿借用给你的，那你就更应该懂得“夹起尾巴”拍片的道理，尽量不去影响别人的正常工作，更不要在现场“作秀”。你必须明白，对别人来讲，你们的拍摄行为是非正常的，具有侵犯性的。
我曾经看到过，某个电影学院的学生“剧组”借用别人的四合院拍作业，又吵又闹不说，做制片的同学竟然还和住户们大谈什么剧组是“人间三大害”之类的奇怪话题！
我想，这样的情况，绝对不应该在你的拍摄中出现，因为，你要的是拍摄结果，绝不是“风风光光”的过程。
副导演可以不要
首先，你完全不需要副导演来处理表演问题。拍摄前，你已经和演员有了充分的沟通，大家都很清楚，这场戏要干什么。而在拍摄的过程中，如果表演有什么问题，你也能够敏锐地发觉，并且提出来。况且，其他工作人员和演员也会向你提出更多更好的建议和要求来。
你也不需要副导演来问：“各部门都准备好了吗？”因为，所有的人员都在你的面前，而且他们和你都全神贯注于拍摄本身，如果再这样问，不是显得很滑稽吗？
“5、4、3……”——这是副导演的另一句口头禅，现在也让它见鬼去吧。因为，你只需要在拍摄前，和大家打个招呼，然后轻轻摁下录制钮，让带子走上几秒钟，演员就可以开始表演了。——瞧，这样有多轻松，还节省了时间和你的口水。
在现场，你比较需要的是类似于制片的帮手，他可以帮你处理拍摄以外的一切事情，减少干扰，让大家都能够集中精力于工作本身。
场记也可以去见鬼了
场记的存在，只有一个目的：让后期制作变得更有效率。但是，如果仅仅是拍摄一部个人的短片作品，那就不再需要场记来填场记单，打场板，记台词，并且由他专门来负责管理录象带了。
为了确保后期的效率，你只需要保证摄象机上的时码不乱，并且在拍摄的同时，随手记录一下内容和时码就可以了（也可以让别人帮忙记，但，绝对不需要专设场记）。
场记单、场记板，都可以不要，仅仅因为制作它们，就要花太多的冤枉钱！
台词，也不需要去傻记了，因为我们用的是同期声！
最后就是保管录象带的事情，那些录象带，尤其是刚拍完的素材带，都是你用一腔热
血换来的，怎么会随便乱扔呢？你一定会象保护自己的眼睛一样，去尽力保护它们的！所以，也不需要别人来帮你保管！
你就是摄影师
在“大”剧组里，很多所谓的摄影师已经退化到只会开机和关机的地步了。“好一些”的，最多也只会象照相馆的师傅一样，给演员修修光，再观察一下演员的哪个角度拍起来好看一点，仅此而已。
灯位是由灯光老师傅（“灯爷”）来设计的，摄象机以及一切配件是由机械员来负责的，控制焦点还有跟焦员，摄像带由场记“看管”，移动摄影有专门的Steadicam摄影师或者由摄助推轨道车来实现。而在一般的电视剧里，除了正反拍以外，最多就是“头上”和“尾巴”上的两个大景别，可能“中间”再插上那么几个，以此来调节所谓“节奏”，这就是所谓的视觉语言，就这么简单了！
于是，摄影师的工作变成了最简易的劳动，只剩下了开机和关机，以及照相馆里的人像摄影了。
在这个时候，DV出现了，它把创作的权利又重新交还给了持摄象机的你，它就是你用来谱写视觉语言的笔。景别的大小、光调的确定、运动还是固定、焦距的长短、色彩的设计、拍摄的角度……都由你说了算，你是“影片”的负责人。
作为一名独立制作者，我希望，你在一开始就掌握所有视觉语言的内容，不要只会开关机，或者总是去依赖别人。
“灯爷”可以下岗了
“灯爷”是电影技术革命以后，莫名其妙残留下来的老古董。
50年代，苏联电影专家给梅兰芳大师拍摄记录片的时候，要用几盏10K以上的聚光灯，才能让胶片正常感光，拍得梅大师和现场的工作人员热汗直流。
可是，刚到70年代末，《
随着电子影像技术越来越普及化，灯光技术变得越来越容易掌握，如果仅仅只满足感光的要求，那是非常轻易就能做到的。
在今天，拍摄数字影像，就完全没有必要用几盏1.2K以上的聚光灯，把走廊或者房间打得“满堂亮”了！一方面，是因为数字影像对低照度拍摄的要求不是很高，另一方面，是因为“满堂亮”违背了起码的生活经验——无论是走廊还是房间，一般都是一个有明有暗的空间，有受光面，也会有光线的死角，最好不要用高功率的电影灯把空间的质感破坏掉。
为了保证起码的照度，可以用几个大功率的灯泡来提高景物亮度，如果嫌光质过硬，那用几个纸灯罩就能够解决柔光的问题了。另外，将现场的现有光源替换成大功率的灯泡，这也是一种保证基本照度的方法。
录音是关键
“大”剧组还有一个毛病，就是“聋子”特别多，似乎电影、电视剧播出的时候，只有画面，观众是听不到声音的。其实，是他们自己听不到声音！
电影的语言是“视”和“听”的语言，没有录音，忽视录音怎么行？
“大”剧组里拍打电话的戏，往往喜欢安排副导演在镜头外面给打电话的演员“接词儿”。一般情况下，好一点的录音师遇到这种情况，马上就会提出抗议，因为副导演“接词儿”的声音和同期的环境声重叠了！——这是个多么显而易见的问题！但，那些没长耳朵的导演往往会对录音师的抗议提出“抗议”：这有什么关系，还让不让拍了？
每到此时，咱们老实的录音师们都会忍气吞声，配合导演和制片继续拍摄下去。
我想，你应该是个听觉健全的人，所以不会犯这种错误。而且，做录音的可能就是你本人或者你的朋友，你们之间，一定会有良好的沟通，达成科学及美学上的正确认识。
如果条件简陋，没有调音台，那只需要一个好一些的麦克风，可以直接插在摄象机上，也比随机的话筒好。如果能有调音台，甚至于DAT，那就再好不过了，那样的话，只要操作得当，就会得到专业的音质。
最好能有一个朋友来帮忙做些录音方面的工作，他也许不是专业的录音师，但必须对声音足够敏感，而且对工作负责，并且细心。
监听是极其重要的，因为我们使用的设备都不可能是高端产品，接口、性能不会很稳定，我们只有加倍用心，才能保证质量。耳机可以由帮你录音的朋友来戴，也可以由你自己戴着来监听，这个要视具体情况而定，但，那位朋友必须要学会用麦克风来收音。
“服化道”及其他
服装、化妆、道具，这些都是剧作的元素，都是直接用来创造形象、塑造人物、表达情绪，甚至决定影片整体风格、完成叙事任务的工具。
在你的小“剧组”里，这些工作是可以由大家一同来完成的，多交流、多讨论、多动脑筋是良好的工作方法和态度。除非有特殊的需要，比如鼻青脸肿或者鲜血直流的造型，那就不得不依靠专业的化妆师了。
场工的活也是这样，每个人都是可以做的。在你的“剧组”里，没有明星，没有大导演，没有老师傅，所有的人都是哥们，都是全才，所有的杂务都不是困难，即使搬一下桌子，大家伙都会抢着去干的。
在这样的氛围下拍摄，你完全不会被人事所累，你的精力可以集中在拍摄本身。你们可能为了等待拍摄落日，而耽搁两、三天，也可能为了布置一个房间而花去大半天的时间，也可能为了收录一个你感兴趣的声音，而翻山越岭……这些都是很有意义的！都是你们心甘情愿去做的，都是你们集体的智慧！你们报偿就是，一个理想中的完成片！
本来，很容易就能够做好的工作和拍出的效果，可在“大”剧组里，却非要把问题复杂化，人为地夸张其难度。其实，这么做，只是为了吓吓外行，骗骗投资人，并且为自己挣钱寻找些合理的依据罢了。
有人说，把“无知理论化”，是有些电影理论工作者的坏本领；而在“大“剧组里，把“无能分工化”，则是某些电影实践者们的谋生方略。
你和你的朋友们完全可以“穿着裤子放屁”，最大限度地释放你们的能力，让那些无能的人失业去吧！
筹划与即兴
我比较主张多筹划、多做准备工作，而不是到现场去“即兴”拍摄。当然，这仅仅是我个人的习惯而已。
关于这个问题，我只谈我个人的习惯：案头是很重要的，分镜头或者工作台本或者只有你自己才看得懂的“草稿”必须要有，它们可以是一些说明文字，也可以是潦草的画面，反正要准备好。
最好能把拍摄时可能遇到的问题和困难都想一遍，并想好应对的策略。如果你想到了五个困难，而在现场却遇到了十个，可这总比你只想到了一个要强许多倍。
现场的情况是多变的，不做好充分的准备，很可能会使你的完成片离你的设想很远很远。为了能够让完成片离设想尽可能地接近一些，那只有靠“勤奋”地准备和计划了。如果能认真地准备，那就会化现场的“多变”为优势——利用这种“多变”拍摄出连你也意想不到的好结果来。
这就是认真准备下的“即兴”创作，我个人比较倾向这种方式。
之三：后期阶段
这是一个让人兴奋而疲劳的阶段：在电脑的屏幕上，你脑子里最初的构想“活”了起来；而一遍接一遍的找剪辑点，调整视听节奏，也会让你筋疲力尽。
一般来讲，剪辑的时间应该是拍摄时间的三倍，也就是说，假设你拍摄这个片子用了一个星期，那剪完这个片子，应该用三个星期才对。而在国内，这种情况往往是颠倒的，剪辑的时间还没有拍摄的时间长。这可能是因为剪辑这项工作太具体而孤独了吧，而且看上去似乎也没有什么实际的好处，以至于没有太多的人愿意去承担它和重视它。
决定剪辑的并不是剪辑本身
那是什么呢？是整体的视听方案。
如果有人说，电影的三要素，第一是剧作，第二是剧作，第三还是剧作。那我也要说，电影的三要素，第一是剪辑，第二是剪辑，第三还是剪辑！！！因为“剪辑”同样贯穿了电影创作的每一个阶段和环节。
在你构想的阶段，就会在脑子里“放小电影”，“放”的过程就是剪辑的过程，你必须把光与光、声与声、声与光在脑子里“剪辑”一遍，才能把“小电影”连贯地“放”出来。画分镜头图的时候，也就是在剪辑，拍摄的过程也是在剪辑，每拍完一段，一般还要调整一下剪辑方案，使之更切合拍摄的实际。等到素材上了电脑，那就只剩下“最后的剪辑”了。
所以说，你在一开始就要学会“剪辑”，文学家结构的是文字和段落，你结构的是声音和画面，就是这么简单的道理。
“接顺”
我已经说过了，电脑上的剪辑，仅仅是“最后的剪辑”，那么，接得“顺”与不“顺”的结果，其实在脑子里或者在纸上或者在拍摄过程中，已经“剪辑”过调整过好几遍了。
要“接顺”，只需要遵循一个原则：想办法把声音之间的、画面之间的、声音和画面之间的剪辑点隐藏起来，不让观众发现。这样做，是为了让观众把精力更多地集中在影片的叙事层面上，而不受“制作”的干扰，误以为故事和人物是“真实”的，从而“顺”利地进入到影片的假象中去。
这种剪辑方式来自于好莱坞，中国的“影戏”也大概学了一些皮毛，其主要特征为：对人物的动作进行分析性描述、人物的视线要连接、光声、光影和声声要匹配等等。
既然要避免让观众发现制作者的存在，那么“生切”就是必须的了，也就是说，最好不要搞叠化或者其他的剪辑技巧，它们都会妨碍观众“入戏”。
要“接顺”有很多具体的技巧，这些方法通过两个渠道，可以由你去了解和掌握。
第一， 多剪。这没有办法，和游泳一样，在听明白了简单的原则之后，必须要下水，
才能真正理解原则和学会游泳。而剪辑恰恰是最需要大量的经验积累的，上机时间越长，对你越有好处。（上机前的“剪辑”，也要一遍一遍反复地做！）
第二， 拉片。这是很好的学习方法，看别人是怎么“接顺”的，细致地记下这个段落
中，十几个或者几十个剪辑点，发现其中的规律和技巧，认真研究，学以致用。
“不接顺”
“接顺”是一种态度，那么，故意“不接顺”，就是另外一种态度了。
同样的道理，“不接顺”画面和声音，也是由前期的构想就开始了的，一直要延续到电脑的剪辑台上，直到片子完成。
对应于“接顺”，“不接顺”也有一个原则：想办法把画面之间的、声音之间的和声画之间的剪辑点暴露出来，尽量让观众明确地看到。这样做，是为了不让观众沉迷于虚假的叙事，有一个客观的立场和理性的认知。
这种剪辑方式也就是作者对电影的态度，是完全不同于好莱坞的，没有把电影当成造梦机，当成影像消费品，而是认同观众的智商，平等对待之。
“不接顺”的一般特征有：人物视线不匹配、运动方向不一致……一切光影、声画和声声关系的不和谐。
当代比较极端的例子是Dogme的系列电影。
声音与声音的剪接
在电影里，声音和画面至少的同等重要的，都是体现时间和空间的渠道，而作为结构声音与声音、画面与画面、声音与画面的手段——剪辑，直接地体现了作者对电影时空的认识和处理方式。
我想，比较容易被忽略的是声音与声音的剪辑。一般在正规的制作中，都有专门的声音剪辑师来负责这一块，录音师也是要跟后期的。但是，作为独立制作人的你，一样要了解这一切，至少要具备专业的声音剪辑师的思维。
<1>声音的景别
根据视听经验，一般情况下，人眼看到的范围越大，听到的声音就越小，看到的范围越小，听到的声音就越大。
根据不同画面的景别的大小，音量的大小是有景别的。要形成景别，一方面，在拍摄时，麦克风的高度要根据视觉来设定，另一方面，就是后期对音量的调整了。
<2>声音的连贯
这是在拍摄现场首先要处理好的问题。举个极端的例子：在音像店里拍摄，如果这场戏不是由一个镜头拍下来的，那就必须把店里的录音机关掉。因为，电影是分开拍摄再组接而成的，如果不关掉录音机，那么，在第一个镜头里，可能是宋祖英在唱歌，可是到了第二个镜头，就有可能就变成周杰伦了！
同样的道理，在拍摄现场，一定要杜绝变化的环境声，有噪音并不可怕（比如，马路上的车流声），可怕的是这个噪音的频率和音量的改变。所以，尽量要挑选安静的拍摄环境，或者在现场尽量保持安静的拍摄环境，如果有噪音，要保持麦克风角度的一致，这样才能让声音连贯，从而不打破时空的连贯性。
假设完成片需要明确的环境声，比如宋祖英的歌声，那就得在做后期的时候，另铺一轨宋祖英的歌声了，才不至于出现声音的中断。
<3>声音的衔接
首先是技术层面上声音的衔接。
这都是从“接顺”的立场来谈的问题，目的是不干扰观众“正常”地看片和“入戏”。
比如，上一个镜头景别大，音量小，下一个镜头景别小，音量大，但是，在片子播给观众看和听的时候，听觉上还是要做得让他们“舒服”一些的，如此，就要在声音的信号强度上做些微小的调整。再比如，上个镜头是室内的，下个镜头在室外，环境声的差别肯定很大的，那么一样要做一些微小的调整。
其次是非技术层面上声音的衔接。
声音的元素有四：人声、环境音响、音乐和无声。在电影里，这四者越来越多地成为一体。
比如，可以找到一个音高，把人声和音乐，或者音乐和环境声……衔接起来，使之不露痕迹，过度自然。
再比如，可以充分发挥电影声音手段多样的长处，让各种声音同时出现，或者交相更替，从而形成电影声音的交响。
另外，无声也是一种特殊的声音，它与不同声音的排列组合一样可以造成足够表达作者意图的效果，展现出电影的美来。
做字幕
要把字幕当成视觉元素来处理，字幕一样具有时间和空间两种基本的存在形式。
颜色、大小、运动、位置……字幕映现的长短、淡入淡出的时间……这些都是供你选择的各种可能。
演职员表和片名需要字幕，对白也需要字幕，不要怕麻烦，最好都能漂漂亮亮地打上字幕，这样不仅让你的片子看上去比较正规，而且，如果对白录制得不太清晰，那正好，对白字幕可以稍做弥补。
如果你觉得自己片子还不错，甚至可以拿到国外去参展，那就千万不要犹豫，加上英文字幕就可以了。
另外，需要提醒一句的是：字幕最好加上黑边，这样，如果衬底的画面很白，也不会导致观众看不见你的字幕。
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以上介绍的是关于剧情短片的拍摄步骤，基本上是我个人制作经验的总结，并不是什么规则或者讲义，我写出来，只是想与大家分享这些体会，想让已经被我说动了要拍短片的你，不至于没有一个参考，以便于你的摸索和实践。
除了剧情片，实验片和纪录片也是一样可以拍的，可惜，由于我本人在实践和理论上的局限，对这两方面的认识不够多，形成不了文字，只能对不起大家了。
每个人都可以有自己的拍摄方法，但我相信，尊重别人的态度和专注于拍摄本身的方法一定是最佳的，也是属于“独立”的和“DV”的。